Als Kind entdeckte ich die Kunst (die Malerei) durch die illustrierten Seiten des Petit Larousse (und die Bildhauerei dank der Statue von Jean Jaurès, die auf dem Platz gegenüber den Glassbläsern und Bergleuten steht; den Bronzeskulpturen des 19. Jahrhunderts, die die körperliche Arbeit der Arbeiter und die mütterlichen Pflichten ihrer Ehefrauen in den Alleen des Parks des Marquis-de-Solage verherrlichten; und den Gipsheiligen der Kirche Saint-Privat in Carmaux).
Als Jugendlicher blieb ich dabei und kaufte zufällig beim Zeitungshändler kleine Hefte mit 12 Seiten: Impressionismus, Kubismus, Expressionismus, Pointillismus, Manet, Braque, Picasso, Léger usw.
Sie enthielten halbseitige Schwarz-Weiß-Reproduktionen von Gemälden. Die untere Hälfte jeder Seite war kurzen Erklärungen gewidmet.
Sobald ich das Gefühl hatte, alles gut genug verstanden zu haben, ging ich zu praktischen Übungen über, indem ich Werke auf Raisin-Papier in Gouache vergrößerte und mir die Farben vorstellte…
Mein Vater, von meinem Genie überzeugt, hatte nichts gegen diese chromatische Freiheit einzuwenden!
Sehr bald wechselte ich zur Ölmalerei auf Leinwand, wo ich meine eigenen Werke „im Stil von“ erfand.
Mit etwa 19 Jahren kaufte ich Malerei und Gesellschaft von Pierre Francastel in einer Buchhandlung — ein echter Qualitätssprung!
In diesem Buch entdeckte ich Paolo Uccello und eines seiner drei Gemälde zur Schlacht von San Romano (das sich in London befindet und den Titel Die Schlacht von San Egidio trägt).
Aber immer noch in Schwarz-Weiß!
Immer noch in Schwarz-Weiß, aber das spielte keine Rolle; ich verlangte nicht mehr — der Text war das, was am meisten zählte.
Francastels Text behandelt die aufeinanderfolgenden Systeme räumlicher Darstellung vom Mittelalter bis zum frühen 20. Jahrhundert.
Uccello malte seine Schlachten im Quattrocento, zu einer Zeit, als die aufkommende Kavalierperspektive versuchte, die bestehenden Lösungen zu ersetzen. Er war noch ein Gefangener der traditionellen Formen und versuchte in diesem entscheidenden Moment, etwas Neues auszuprobieren…
Es handelt sich um eine Theaterszene, in der man sicher sein kann, dass die Pferde — alle identisch — aus Holz sind und auf Planken vor einem Bühnenvorhang laufen, der als Kulisse dient und den Ort des Geschehens anzeigt: die Hügel von San Romano, wo Bauern, völlig gleichgültig gegenüber der sich entfaltenden Geschichte, Kaninchen jagen.
Außerdem handelt es sich nicht um ein religiöses Thema, von dem sich die Künstler der Renaissance allmählich zu distanzieren begannen. Zum Glück!
Bevor ich dieses Buch las, hatte ich mein Interesse auf kubistische Darstellungsweisen konzentriert, weil sie die Gesetze der Perspektive in Frage stellten, indem sie ein Objekt gleichzeitig aus mehreren Blickwinkeln zeigten — sowie auf die Futuristen, die ihrerseits das Konzept der Geschwindigkeit einführten.
Die Gesetze! Die Gesetze der Perspektive!
Zu jener Zeit wusste ich noch nicht, dass die Kavalierperspektive (die monokuläre Sicht eines Mannes zu Pferd) nicht immer selbstverständlich gewesen war, sondern dass diese Darstellungsweise von den Künstlern des Quattrocento im Zuge einer humanistischen intellektuellen Revolution erfunden worden war, die Gott nicht mehr in den Mittelpunkt des Universums stellte.

Als ausgebildete Illustratorin habe ich in der Werbung, im Journalismus, im Kinderbuchverlag, in der Textilindustrie und im Geschirrdesign gearbeitet.
Ich entdeckte die Bildhauerei durch Abendkurse am Edinburgh College of Art, wo ich drei Jahre lebte.
Es war eine Offenbarung: Meine Hände schienen wie von selbst über den Ton zu gleiten, ohne dass mein Verstand eingriff. Es war instinktiv — meine Finger wussten, wo sie den Ton aushöhlen und wo sie ihn hinzufügen mussten, um einem Gesicht oder einem Körper Form zu geben.
Zurück in Frankreich erfüllte ich mir meinen Kindheitstraum und ließ mich in der Provence nieder. Aber das Gästehaus, das ich baute, um diesen Traum Wirklichkeit werden zu lassen, ließ mir nicht die Zeit, die ich mir erhofft hatte, um mich ganz meiner Leidenschaft zu widmen.
Heute erlaube ich mir endlich, meine Prioritäten neu zu definieren, und finde meinen Weg zurück in mein Atelier, um mich dem zu widmen, was mich tief bewegt.
Seit langem waren weibliche Gesichter eine Inspirationsquelle, aber meine immer tiefere Verbindung zur Natur hat endlich ihren Ausdruck in meinen Werken gefunden. Die vielen Stunden, die ich in den Wäldern, in den Bergen, an Seen und Flüssen verbracht habe, haben pflanzenartige Frauen hervorgebracht — einsame Amazonen, Träumerinnen, Kriegerinnen, Nachdenkliche oder himmlische Wesen — die jedoch alle fest in der Erde verwurzelt sind, aus der sie zu entspringen scheinen.

Ich arbeite seit vielen Jahren als Keramiker, nachdem ich klinische Psychologie studiert und kurzzeitig als Pädagoge gearbeitet habe. Ich bin der Sohn eines Töpfers; die Familienwerkstatt befand sich in Seillans im Var.
Meine Einflüsse in der Keramik reichen vom Vertrauten — wie der glasierten mediterranen Fayence und der traditionellen Töpferei des Südens — bis zum Fernen, wie der japanischen Keramik, die mehrere Generationen von Keramikern inspiriert hat. In Japan gilt die Keramik als eine der wichtigsten Künste, und einige Keramiker werden mit dem Titel eines Lebenden Nationalschatzes geehrt. Später entdeckte ich die Terra Sigillata, die Technik der alten Griechen und Römer — eine Rückkehr ans Mittelmeer!
Im Laufe meiner langen Karriere habe ich an zahlreichen Ausstellungen teilgenommen — zu viele, um sie hier alle aufzuzählen — sowie an öffentlichen und professionellen Messen wie Maison et Objet. Ich habe Keramik an der École d’Aubagne unterrichtet, die Fachleute ausbildet, und 2010 gründete ich ein Weiterbildungszentrum für Keramiker und andere Künstler. Dieses Weiterbildungszentrum befindet sich in der Tuilerie Bossy in Valabre, in der Nähe von Gardanne. Mein Wunsch ist es, diese anspruchsvolle Kunst weiterzugeben, bei der Technik und Kreativität Hand in Hand gehen.
Die Keramik fasziniert mich nach wie vor, da sie ein unendliches Spielfeld ist, das Raum für eine stets erneuerte Kreativität lässt.

Obwohl ich Malerei an der Kunstakademie meines Heimatlandes studiert und eine Karriere als Künstlerin verfolgt habe, nahm mein Leben eine neue Wendung, die mich nach Frankreich führte, wo ich Englischlehrerin wurde. Nach meiner Pensionierung griff ich wieder zum Pinsel und konnte mich endlich ganz dieser Leidenschaft widmen, die mich nie verlassen hatte. Seit 2013 hat meine Arbeit eine Reife erreicht, die es mir erlaubt, meine Werke auszustellen, in der Regel einmal im Jahr.
Folgendes sagt die Kunstkritikerin Charlotte HENRY über meine Arbeit in PUBLIKART: „Alison Martinenq, eine Künstlerin schottischer Herkunft, schöpft ihre Inspiration aus den kontrastreichen Landschaften des Luberon, wo sie seit über 20 Jahren lebt. Ein wahrhaftiges ‚Traumland‘, der Luberon ist für zeitgenössische Künstler das, was die Normandie für die Impressionisten war: ein wahres Land der Inspiration.“
Alison Martinenq schuf ihre ersten Werke in Aquarell. Für ihre abstrakteren Werke wandte sie sich dann der Ölmalerei zu, einer Technik, die sie als „befreiend“ bezeichnet. Als autodidaktische und leidenschaftliche Künstlerin versucht Alison Martinenq, tiefe Emotionen durch Landschaften und Szenen an der Grenze zur Abstraktion zu vermitteln. Von den Calanques bis zu imaginären Landschaften, von der Provence bis Amsterdam — jedes Gemälde zeugt von einem „einzigartigen Abenteuer“. In diesem malerischen Stil bestimmt die Farbe den Rhythmus der Komposition (zum großen Leidwesen der Poussinisten!). Weniger dekonstruiert als die kubistische Malerei, geometrischer als impressionistische Leinwände, haben die Werke von Alison Martinenq einen sehr unverwechselbaren Stil. Durch Farbe und Pinselstrich erwecken sie tiefe Emotionen.

Jean Sébastien Barbet verbindet seine Ausbildung als Chefkoch und lebt diese Leidenschaft mit jeder Faser seines Wesens.
Ein lebhafter und leidenschaftlicher Ausdruck: Seit vielen Jahren verwandelt er Zutaten in flüchtige und farbenfrohe Kunstwerke, die durch eine Vielfalt an Texturen und sinnlichen Aromen gekennzeichnet sind.
Die Kreativität liegt in seiner Vision und in seinen Händen. Holz, dieses rohe und authentische Material, übt eine besondere Faszination auf ihn aus. Wenn er damit arbeitet, verschwimmen die Grenzen und die Zeit wird fruchtbar: Er schöpft seine Inspiration aus dem Wesen der Natur selbst, aus der Maserung und den Wachstumsringen des Holzes.
Mit Kettensägen, Winkelschleifern und Meißeln formen und verwandeln seine Hände dieses edle Material in einzigartige Stücke, reich an Details und Emotionen. Bildhauerei und Kochkunst sind zwei sehr unterschiedliche Ausdrucksformen, und dennoch verbinden und vereinen sie sich im künstlerischen Ausdruck.
Als autodidaktischer Künstler, umgeben von seiner Familie und seinen Freunden, wurde SJS SCULPTURE im Jahr 2021 gegründet und hielt im Juni 2023 seine erste Ausstellung in der Provence ab.
Nach und nach wird Holz zur natürlichen Verlängerung seiner Kreativität.